Tribo Zo'é. Foto Sebastião Salgado. Gênesis

L’Amazonia è in fiamme. Brucia insieme il cuore dell’artista che si ispira dalla sua poetica

by ChiacchierandoTutte le Arti

Impossibile non parlare dell’Amazzonia in un momento così cruciale. La foresta è in fiamme e il dolore è inevitabile. Il ricordo degli artisti che si ispirono nella sua poetica come  Krajcberg, Sebastião Salgado, Zig Koch, Izabel Allende, hanno motivato questo l’articolo. Loro ne fecero una narrazione artistica che può portare qualsiasi osservatore a intraprendere percorsi immaginari dentro della foresta vergine e sentirsi parte, sarebbe lo stesso come si facesse un viaggio reale da conoscerne la fauna selvatica. Questa è la spiegazione più plausibile per questo dolore così acuto e profondo.

Sebastião Salgado è uno di quegli artisti che ricordavo quando ho sentito il pericolo imminente su quel vasto territorio verde, la più grande foresta pluviale del pianeta e la più ricca di biodiversità. Mi sono ricordato delle foto della tribù Zo’é, realizzate da Salgado, esposte nella mostra Genesis. Questa è stata la prima volta che ho sentito parlare di questa tribù Tupi, una delle ultime isolate dall’Amazzonia. In questa ricerca sulla tribù, ho trovato il blog del fotografo Rogério Assis, con splendide foto sugli indiani, compresi quelli di Zo’è.

Rio Juruena próximo a Comunidade Barra de São Manoel – AM Zig Koch

Le magnifiche foto della natura di Zig Koch, che tra molti luoghi fotografati, l’Amazzonia è stata una fermata obbligatoria. Con suoi lenti ha potuto catturare animali in flagranti nella più incredibile posa e e nella foresta stessa, lui ci fa viaggiare fino agli angoli più remoti di quella natura selvaggia.

Mi sono ricordato di Claudia Andujar e delle 500 fotografie esposte in un padiglione a Inhotim, Minas Gerais, parlando degli Yanomami. Claudia è un’attivista svizzera, brasiliana naturalizzata, oggi con 88 anni e dagli anni ’70 dedicata alla causa Yanomami. Nella galleria di Inhotim, mostra la foresta, gli indiani e i loro rituali, e infine il conflitto tra i popoli della foresta e l’uomo bianco.

Sia nelle mostre che nella visualizzazione delle foto che indubbiamente richiedono poetica e arte, ho fatto un viaggio mentale in Amazzonia.

Immaginario

Izabel Allende, nella Trilogia per Ragazzi, in uno dei libri, La città delle bestie, tratta degli indiani e mette in guardia dal traffico di Amazon. Erol Anar, uno scrittore nato in Turchia e ora vive in Brasile, con due dei suoi 15 libri tradotti in portoghese, che ha collaborato con PanHoramarte durante un periodo, ha confessato di aver sognato di conoscere il Brasile perché durante l’infanzia ha visto un disegno che il personaggio visse avventure in Amazzonia.

L’artista Frans Krajcberg ha lasciato un’eredità per le generazioni future. Ha fatto della sua arte un grido di rivolta trasformando tronchi e arti bruciati in sculture. “Voglio che i miei lavori riflettano questo abuso di mettere fuoco in una foresta. Ecco perché uso gli stessi colori: rosso e nero, fuoco e morte. ”

In un rapido sondaggio sugli artisti che si ispirano dall’Amazonia, ho scoperto un’artista botanica inglese che ha dipinto i fiori della foresta pluviale amazzonica, Margareth Mee. Questi nomi mi sono balenati in mente in un rapido sogno ad occhi aperti, cercando di capire gli ultimi eventi riguardanti l’Amazzonia.

tesoro inestimabile

L’Amazzonia ha un valore inestimabile dalla foresta in piedi e non la foresta diventata sul cenere. La foresta è dove vive il futuro dell’umanità e non nella sua estrazione intensa. La sovranità sul territorio non ci dà la prerogativa di decidere cosa vogliamo su di lei.

Salva la più grande foresta pluviale del pianeta perché in essa vive il segreto della vita. Salva le piante che salvano vita!

Appunto della editrice

Piangiamo per l’incompetenza e l’insensibilità dell’uomo che vive come se non ci fosse un domani. Ho viaggiato innumerevoli volte alla giungla amazzonica, negli occhi di molti fotografi, artisti, designer, registi e ogni volta, lo confesso, sono stato sopraffatta dalla sua esuberanza e potere curativo e riparatore, una sensazione manifestata solo dalle immagini. Immagina dal vivo e a colori! L’uomo colui che non capisce l’importanza di un tale tesoro, è una bestia. Abbiamo la sovranità del territorio e il diritto di prenderci cura di questo spazio donato dalla Divina Creazione, ma la sua proprietà metafisica (al di là dello spazio fisico e geografico) non appartiene a noi, ma a tutta l’umanità. Sì, piangiamo, soprattutto per gli indiani che vivono lì e lo preservano. Questa poetica appartiene all’umanità!

Tribo Zo'é. Foto Sebastião Salgado. Gênesis

Amazônia arde. Sofrem os corações que vivem a sua poética

by ArteBlá-blá

Impossível não falar da Floresta Amazônica num momento tão crucial. A Floresta arde em chamas e a dor é inevitável. Lembro de Krajcberg, Sebastião Salgado, Zig Koch, Izabel Allende, que fizeram dela uma narrativa artística capaz de levar qualquer observador a embrenhar-se por caminhos imaginários da mata virgem e conhecer sua vida selvagem. Esta é explicação mais plausível por essa dor tão aguda e profunda.

Zo’é e Yanomami

Sebastião Salgado é desses artistas que lembrei ao sentir o perigo iminente sobre aquele vasto território verde, a maior floresta tropical do planeta e a mais rica em biodiversidade. Lembrei das fotos da tribo Zo’é, feita por Salgado, expostas na mostra Gênesis. Essa foi a primeira vez que ouvi falar dessa tribo Tupi, uma das últimas isoladas da Amazônia. Nessa busca sobre a tribo, encontrei o blog do fotógrafo Rogério Assis, com fotos maravilhosas sobre índios, incluindo aos da Zo’è.

As magníficas fotos da natureza do paranaense Zig Koch, que entre tantos lugares fotografados, a Amazonia foi parada obrigatória. Seus flagrantes em animais e na própria floresta nos fazem viajar pelos recantos mais longínquos daquela natureza selvagem.

Rio Juruena próximo a Comunidade Barra de São Manoel – AM

Lembrei de Claudia Andujar e as 500 fotografias expostas  num pavilhão em Inhotim, Minas Gerais, sobre os Yanomami. Claudia é ativista suiça, naturalizada brasileira, hoje com 88 anos e desde a década de 70 dedica-se a causa Yanomami. Na galeria de Inhotim, ela mostra a floresta, os índios e seus rituais, e por último o conflito entre os povos da floresta e o homem branco.

Tanto nas mostras como na visualização das fotos que, sem dúvida, exigem poética e arte, fiz um percurso mental à Amazônia.

Imaginário

Izabel Allende, em As Aventuras da Águia e do Jaguar, em um dos livros da trilogia, trata dos índios e alerta para o tráfico na Amazônia. Erol Anar, escritor que nasceu na Turquia e hoje vive no Brasil, com dois de seus 15 livros traduzidos para o português, que foi colaborador do PanHoramarte durante um período, confessou que sonhava em conhecer o Brasil porque na infância assistia um desenho que o personagem vivia aventuras na Amazônia.

O artista plástico Frans Krajcberg deixou um legado para as gerações futuras. Ele fez da sua arte um grito de revolta ao transformar troncos e galhos calcinados em esculturas. “Quero que minhas obras sejam um reflexo das queimadas. Por isso uso as mesmas cores: vermelho e preto, fogo e morte.”

Numa pesquisa também rápida de artistas plásticos, cujo tema foi Amazônia descobri uma artista botânica inglesa que pintou as flores da floresta da Amazônica, Margareth Mee.  Estes nomes passaram pela minha mente num rápido devaneio tentando entender os últimos acontecimentos em relação a Amazônia.

Tesouro

A Amazônia tem um valor inestimável  pela floresta em pé e não transformada em cinzas.. É nela que vive o futuro da humanidade e não no seu extrativismo desorientado. A soberania pelo território não nos dá a prerrogativa de decidirmos o que quisermos sobre ela.

Salvem a maior floresta tropical do planeta porque nela vive o segredo da vida. Salvem as plantas que salvam vidas!

Nota da redação:

Choramos pela incompetência e insensibilidade do homem que vive como “se não houvesse amanhã”. Já percorri a selva amazônica inúmeras vezes, incansavelmente,
sob o olhar de muitos fotógrafos, artistas, desenhistas,cineastas e todas às vezes, confesso, que me senti extasiada pela sua exuberância e poder de cura e de restauração, uma sensação que se manifesta somente pelas imagens.Imaginem ao vivo e a cores! O bicho homem, aquele que não entende a importância de um tesouro como este, não é um animal é uma besta que surge das trevas. Temos a soberania do território e o direito de zelar por esse espaço que nos foi dado pela Divina Criação, mas sua propriedade metafísica ( além do espaço físico e geográfico) não nos pertence e sim, a toda a humanidade. Choramos, sim, sobretudo pelos índios que lá vivem e a preservam. Essa poética pertence a humanidade!

 

 

 

 

 

 

 

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L’eredità di Francisco Brennand

by Tutte le Arti

L’eredità artistica di Francisco Brennand in Brasile è monumentale. Visitare l’officina di Brennand, allestita nelle terre di Engenho Santos Cosme e Damião, nel quartiere Várzea di Recife, regione di Pernambuco, in Brasile,  ci dà la dimensione di questa meraviglia!

“Non interrompere questo silenzio! Non interrompere questo sogno!”

Si raccomanda dall’inizio della visita.

Un patrimonio che coinvolge un contesto più ampio e originale per noi brasiliani. Implica arte, creazione, tradizione, storia ed ecologia brasiliane.

Terra simbolica

L’artista ha usato l’argilla per modellare le sue opere e comporre un territorio sacro. Le sculture in ceramica che popolano, sia le aree esterne che interne trasportano il visitatore in un universo onirico che rappresenta la terra seminata da personaggi simbolici, che si intrecciano tra figure falliche, uova feconde, miti e animali.

Dall’altro, Adamo ed Eva in completa modestia, nascondendo le loro parti private. Nel mezzo di questa straordinaria creatività di concetti sorge il Taj Mahal, forse un baldacchino, forse, con la sua cupola azzurra e il pendolo in ceramica. L’argilla modellata!

Mariz Bertoli (1942- 2019) ha detto una volta che dobbiamo allargare lo sguardo per entrare in un posto come questo!

L’insegnante, curatora e critica d’arte ha scritto sul Brennand, pubblicato un libro e articoli sulle opere dell’artista di Pernambuco. Vale la pena leggere. Soprattutto l’articolo Redemption of the Female, nel diario dell’Associazione brasiliana di critici d’arte.

Femminile

Entrare in un posto come questo ha bisogno “rompere l’opacità dello sguardo e lasciarci inondare dall’occhio della luce”, raccomanda Mariza Bertoli. “È necessario seguire i modi simbolici che l’artista, come demiurgo, ci propone”, afferma nel suo articolo The Redemption of the Feminine, pubblicato sul quotidiano ABCA. Mariza descrive esattamente la sensazione che ci circonda quando entriamo in quell’ambiente unico e silenzioso, sebbene con opere che parlano della terra e dell’uomo.

“Questo giardino di delizie e orrori è circondato da uccelli serpenti, ordinati come sentinelle, che guardano lo spettatore fino al cuore pulsante della piazza. Sopra uno specchio d’acqua sorge il tempio con la cupola azzurra, il grande occhio di luce. Intorno al tempio, gli esseri appena creati del loro mondo, con i loro doppi riflessi nell’acqua, stupiscono lo spettatore per le insolite suggestioni di intrecci erotici. Gli uccelli serpenti che vegliano su di noi lungo la cittadella rivelano la natura simbolica, la materia primordiale di cui siamo fatti, della nostra fragile umanità, tremante nella tensione tra desiderio e contingenza. Se l’uccello in noi vuole volare, il serpente deve trascinarsi. È la modalità simbolica, la febbre estetica ”.

Francisco Brennand ha ricostruito le ceramiche che alimentarono la sua famiglia, la cui argilla ha plasmato la sua storia: per il futuro, Brennand (91 anni) ci lascia il laboratorio circondato dalla foresta atlantica sulle rive del fiume Capibaribe. Un prezioso tesoro storico e artistico!

Sulle rive del fiume che era cruciale per l’economia di Pernambuco, fu nella sua pianura alluvionale che si formarono i primi mulini di canna da zucchero, grazie al suo terreno massapê, adatto alla coltivazione.

La regione di Várzea è impregnata della memoria di un Brasile coloniale, i cui mulini hanno svolto un ruolo importante nello sviluppo economico dell’epoca. Engenho Santos Cosme e Damião (il collegamento mostra un po ‘di quella che era la regione della pianura alluvionale di Pernambuco) è all’interno di questa storia e ha lasciato il posto secoli dopo a ceramiche, fabbrica di piastrelle, fabbrica di porcellana, fabbrica di vetro, acciaieria e altre unità della regione. Gruppo Brennand.

Francisco de Paula Coimbra de Almeida Brennand ricostruì nel 1971 la ceramica fondata da suo padre nel 1917 che era in rovina.

Volo libero

La sensazione quando entri nell’spazio è prendere un volo libero nel mondo dei sogni. Indipendentemente da ciò che l’artista voleva concettualizzare nella sua opera, il complesso del Brennand offre momenti indimenticabili a chi ama l’arte.

 

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Gustav Klimt e l’allegoria del Fregio di Beethoven

by EuropaTutte le Arti

L’allegoria creata da Gustav Klimt nel nastro di Beethoven, un’opera ispirata al nono. Symphony, trasformò una semplice stanza in un territorio sacro. La ricerca della gioia e dell’amore puro passa attraverso la fragilità dell’essere umano, del male, della malattia e della morte, nella poetica di Klimt, in un ritmo di adagio e allegro.

La cosa bella di apprezzare un’opera d’arte come questa è spostarsi nel tempo e capire perché è stata creata. È come catturare la tua anima e provare l’emozione dell’artista!

Omaggio a Beethoven

Quando l’austriaco Gustav Klimt creò il fregio direttamente sulle pareti del quartier generale della Secessione nel 1902, lo scopo era di onorare il compositore tedesco in un evento in cui il fulcro era una scultura dedicata a Beethoven da Max Klinger nella sala più grande dello spazio.

La ricerca dell’uomo all pura felicità era la connessione tra arte visiva e musica, unita al potere creativo di Gustav Klimt, un artista austriaco che introdusse nell’impero la moderna fase dell’arte viennese.

Ci sono tre muri con dipinti. Si può immaginare il giorno dell’inaugurazione. La musica essendo suonata e a dare al visitante un senso di sogno. La musica dando vita alle ninfe che fluttuavano in uno spazio vuoto, probabilmente immaginando l’adagio. Uno spazio importante quanto la pittura, che significa il passare del tempo. Delicate figure femminili ed eteree appaiono poco dopo le ginocchia, supplicando.

Le suppliche della debolezza dell’essere umano

Le donne in posizione di supplica a figura maschile, un mito eroico, un cavaliere con un’armatura a foglia d’oro il cui volto è stato ispirato nel viso di Gustav Mahler (compositore) e l’armatura riproduce quella dell’arciduca Segismundo del Tirol, esposta al Museo di Storia di Arte di Vienna.

Questo personaggio risplende in oro e alcune pietre semipreziose nell’elsa della spada e dell’elmetto ai suoi piedi, rappresentano la stessa umanità, dotata di spirito e determinata a perseguire la felicità attraverso l’arte.

Mitologia

La parete del mezzo è interamente dipinta e di straordinario simbolismo mitologico. Sono le forze del male con sfumature che predominano il buio. Innanzitutto le tre sorelle Gorgonas, Medusa, Steno ed Eurali, con i capelli di serpente, terribilmente seducenti ma letali. Sopra di loro, malattia, follia e morte, rappresentate anche da figure femminili.

Il gorilla, il personaggio centrale, rappresenta anche una creatura mitica. Tifeu o Typhon nella mitologia greca erano responsabile dalla distruzione dei venti violenti. Klimt lo impersonava come un gorilla con occhi di madreperla dagli occhi spalancati verso il pubblico. Accanto a lui c’è lussuria, spudoratezza e golosità, rappresentata anche da donne, la rossa, la bionda e l’obeso.

Il dolore profondo

L’idea era quella di mostrare in questa allegoria che il cavaliere d’oro avrebbe avuto una missione quasi impossibile, considerando che poteva essere sedotto dalla bellezza e dalla sensualità, dal fascino e che persino gli dei non potevano superare la forza di Tifeu, che era circondato dalle spirali di un serpente da una parte, sul lato opposto delle sorelle Gorgonas, Klimt dipinse un’altra figura femminile che rappresentava il dolore acuto avvolto nei suoi capelli. Una scena di desolazione sullo sfondo con i serpenti arricciati.

Alla fine Eden

Tuttavia, un’altra vibrazione armonica appare sulla terza parete nell’angolo destro sopra. Le ninfe galleggianti sembrano eteree incontrano la musica emotiva con cui emerge la luce. Una figura femminile sembra suonare uno strumento musicale. L’oro splende.

Allegro alla fine

La sinfonia di Beethovem recupera il battito, l’imponenza, il vibrante allegro. La coscienza si rigenera e l’Ode alla gioia appare nell’abbraccio finale dell’uomo e della donna, il sole e la luna – Eden – l’acqua dorata che scorre intorno alla coppia unendoli in gioia e amore.

Si sarai coinvolto nelle trame di questa allegoria di Klimt, sicuramente, nel momento in cui ti immagini nella stanza della Secessione, sarai guidato dalle pennellate dell’artista, ipnotizzato dalla musica emotiva che brilla con il splendore dell’oro.

Sorprendente ensare che gli austriaci della Vienna imperiale avevano aborrito il lavoro di Klimt e lo consideravano immorale. Un artista di straordinaria capacità simbolica e raffinato nel suo concetto.