A Sociedade Japonesa de Nova York organizou uma grande exibição de arte em memória aos atingidos pelo terremoto e acidente nuclear de Fukushima, no Japão.
Já se passaram cinco anos desde o desastre natural na costa nordeste do Japão, que prejudicou a usina nuclear de Fukushima Dai-Ichi, causando o vazamento de água radioativa. O acidente provocou danos irreversíveis, com um saldo de 18 mil mortes e 400 mil pessoas sem casa.
A instituição reagrupou obras de 17 artistas e fotógrafos, como por exemplo, a série “Cogumelos da floresta”, de Takashi Homma, que mostra os funghi tóxicos e disformes crescidos na região do desastre.
Naoya Hatakeyama
As fotografia de Naoya Hatakeyama que documentou a desolação da cidade de Tohoku, uma das mais atingidas pelo terremoto. A mostra apresenta uma instalação de Munemasa Takahashi, com o título “Perdidos e Achados”, um projeto que incluí cerca de mil fotografias de sua cidade Tohoku, hoje totalmente deserta. Sua obra é resultado do trabalho de um grupo de voluntários que recolheram, digitalizaram e entregaram as fotos aos seus respectivos proprietários, um trabalho de restituição de 750 mil imagens.
Também não faltou na mostra o trabalho da artista de origem japonesa Yoko Ono que com o seu “Wish Tree”convida os visitantes a amarrar os desejos escritos sobre os galhos de uma árvore de maçã, que a artista diz que simboliza a esperança. Quando a mostra terminar, os desejos serão enterrados na base da Torre da Imagem da Paz de Ono, na Ilha Videy, Islândia.
As aquarelas de Jean Baptiste Debret (1748-1848) sobre o Brasil Colônia, identificam algo mais do que apenas pinturas documentaristas, mostram de forma quase caricata, um país perverso em sua estrutura social.
Essa maneira particular com que Debret apresentou o Brasil do século XIX em suas obras, revela a matriz comportamental do que é hoje o país nos seus usos e costumes, sua cultura.
Naves identifica nas obras de Debret, o esforço que o pintor fez para adaptar-se à realidade do Brasil, colocando em questão a sua formação neoclássica.
Os aspectos paradoxais de uma corte sem poder, fujona, e instalada às pressas numa de suas colônias, fora dos padrões estabelecidos pela sociedade européia foram pincelados pelo artista em detalhes que não passam despercebidos do escritor. Em um dos trechos do livro, o escritor diz assim:
Anedótico
“Mais do que um aspecto anedótico e perversamente pitoresco, a feição rudimentar do Rio de Janeiro inviabilizava na prática uma atuação normal de Debret e seus companheiros. O neoclassicismo francês defendia uma arte em que a vontade conduzisse a natureza, sobretudo humana – as manifestações virtuosas e belas”.
No entanto, Debret não encontrou tema para sua formação neoclássica no Rio de Janeiro. A trama principal era o embate entre escravidão e riqueza, pois o Rio de Janeiro tinha na época mais de 45% de sua população em escravos. Essa contradição social foi incorporada informalmente em algumas obras de Debret que mostram o lado dúbio, incerto e duvidoso dessa sociedade colonizadora.
Rodrigo Naves, em seu livro, chama a atenção para o fato que Debret mostra cenas de trabalhos pouco extenuantes. Se prende muito mais em mostrar os escravos de ganho, vendedores de quitutes, frutas, do que trabalhadores de moendas, aqueles que se esforçavam desumanamente.
Mesmo os negros acorrentados eram retratados em momento de descanso.
“Para um artista formado nos embates do final do século XVIII, francês, essa dimensão pública certamente tinha algo de postiço. Apoiava-se sobre o trabalho escravo, em uma corte fugida e tinha lugar num ambiente urbano absolutamente precário. A forma exemplar e heroica dos neoclássicos jamais faria sentido aqui.
Tampouco havia no país enfrentamentos poderosos que justificassem uma concepção grandiosa da história. Então Debret, desde sua chegada, voltou sua atenção para a precariedade da vida na cidade do Rio de Janeiro e encontrou na aquarela o meio adequado para representar as cenas de um cotidiano inteiramente novo para ele,” escreveu Naves.
O artista francês chegou ao Brasil junto com uma missão de seu país, que tinha o propósito de fundar uma Academia de Belas Artes, na então colônia de Portugal que naquele momento era sede da corte portuguesa. Em 1816.
O ensaio crítico de Naves sobre as obras brasileiras de Debret e as transforma em um documento sociológico e analisa com maestria como o pintor move-se nessa contradição própria de valores culturais da época. O livro é para interessados em história da arte e processo social brasileiro.
Um grupo de artistas, incluindo a iraniana Morehshin Allahyari, está trabalhando para recriar em formato digital as obras de arte destruídas pelo Estado Islâmico no Iraque.
“A especulação Material: ISIS / Download”, lançado em fevereiro, por Rhizoma, uma organização que lida com arte digital afiliada com o New Museum, em Nova York, e que deseja reviver objetos arqueológicos, como a estátua do rei Uthal Hatra ou Assírio representado o Lamassu, ambos supostamente severamente danificados pelo Estado Islâmico no ano passado.
foto do site http://rhizome.org/editorial/2016/feb/16/morehshin-allahyari/
Quem pode esquecer as imagens de jihadistas armados de martelos no museu Mosul?
Morehshin Allahyari recolheu todas as informações possíveis sobre estes trabalhos com a intenção de criar uma espécie de cápsula do tempo digital. O resultado é um arquivo de 570 MB, incluindo documentos, pesquisas científicas, imagens de alta resolução e uma versão para impressão em três dimensões das esculturas. O arquivo é visto e baixado por qualquer pessoa no site do Rhizoma. A esperança é a de preservar a memória desses bens, não apenas com foco na reconstrução física das obras, mas acima de tudo preservar a informação histórica que lhes dizem respeito.
“Não é uma maneira de substituir esses artefatos”, disse Allahyari. O projeto, explicou, é de cerca de “reconstruir não apenas o artefato, mas a história e informação.”
Ms. Allahyari também baixou seu projeto para um disco rígido e instalado dentro de um impresso em 3D, réplica da estátua de resina plástica do Rei Uther. A estátua, juntamente com onze outros artefatos reconstruídos destruídas pelo EI, incluindo uma estátua assíria da divindade alada Lamassu-está em exibição em Toronto no Trinity Square vídeo até 19 de março.
Il ruolo femminile nell’ambito della produzione e fruizione artistica era quasi niente nei secoli precedenti al settecento. Poco si trova di opere fermati per le donne. Era territorio esclusivo degli uomini.
L’italiano Tony Kospan, parla sulla pittura nel femminili e cita fatti interessanti a volte tristi della storia delle pittrici che hanno raggiunto un certo nome tra 500 a 900.
Dal XVIII secolo le donne hanno certamente goduto di opportunità maggiori.
Le donne coraggiose come l’artista veneziana Rosalba Carriera (1673-1757), ad esempio, nel bellissimo e provocatorio autoritratto, nel quale l’artista si è celebrata vecchia, contra i costumi dell’epoca, spogliata della parrucca tradizionale, esponendo i capelli grigi. Anche mettendo luce vicino alla testa da significare la forza dell’intelletto nelle donne. Questo autoritratto è conservato dell’Accademia di Venezia.
Rosalba ha vissuto nel settecento – il secolo della Luce(Illuminismo)
Questa informazione è stata passata a me in una lezione di critica d’arte, nella classe della professoressa e dra, Orietta Rossi Pinelli, alla Sapienza di Roma.
Nella sua tesi, trasformata in un libro, “Le Arti nel Settecento Europeo” (senza traduzione in portoghese), la ricercatrice si rammarica dalla mancanza di dati per l’analisi,sulle produzioni artistiche delle donne negli anni precedenti al settecento.
Le donne nell’arte
Al di là di Rosalba Carriera, Orietta cita anche Giulia Lama, MmeVigée-Lebrun, Angelika Kauffamann, alcuni delle pittori che hanno raggiunto “un certo successo personale, quando non la ricchezza, guadagnando la stima degli intellettuali del tempo”, scrive.
Secondo la ricercatrice italiana, non era facile le donne artiste accedere alle accademie se non erano moglie,figlie o sorelle di artisti uomini. ” E quando riuscivano a entrare, la loro sarebbe stata comunque una carriera dimezzata in partenza, scontrandosi con il divieto di assistere alle lezioni di nudo, esperienza indispensabile per poter attingere le vette della pittura di storia, e quindi ottenere le grandi commissioni pubbliche”.
Angelika Kauffamnn, foto internet wikipedia
Angelika Kauffmann
Angelika Kauffmann (1741-1807), ad esempio, ebbe il coraggio di opporsi a questa limitazione. “Nel corso del secolo, alcune donne seppero inoltre interpretare ruoli di primo piano; alcune ‘all’ombra della corona, come Mme Pompadour (1721-1764) o Madame du Barry (1743-1793), altre protagoniste assolute della scena europea, come le imperatrice Caterina di Russia (1729-1796) e Maria Teresa d’Austria (1717-1780), tutte hanno vissuto nel secolo dei Lumi. Queste donne hanno usato il loro potere a favore dell’arte e della cultura”.
Così, al visitare il passato si può vedere che non è stata vana la lotta delle donne, a quale sono stati le prime femminista dell’storia dell’arte nell’Occidente.
Loro hanno rotto i tabù di una società esclusivamente maschile. Le donne che si ribellarono contra un destino che aveva come bersaglio: il matrimonio, la maternità, il convento, o una vita inutile nella corte dei nobile.
D’altra parte, in Brasile, l’arte prendeva i primi passi con la corte portoghese installata al Rio de Janeiro. Nessun nome femminile si è distinto in un periodo in cui il paese stava importando artisti dall’Europa per diffondere l’arte.
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Também não faltou na mostra o trabalho da artista de origem japonesa Yoko Ono que com o seu “Wish Tree”convida os visitantes a amarrar os desejos escritos sobre os galhos de uma árvore de maçã, que a artista diz que simboliza a esperança. Quando a mostra terminar, os desejos serão enterrados na base da Torre da Imagem da Paz de Ono, na Ilha Videy, Islândia.
